Il se passait bien plus dans les films des années 1980 que des reflets anamorphiques, des bandes sonores de synthétiseur analogique et du brillant à lèvres. Il peut être facile de idéaliser l'ère pré-Internet, en particulier dans notre époque actuelle de débordement, mais la réalité est que les années 80 ont été une décennie où le conservatisme et le capitalisme ont atteint des sommets sans précédent aux États-Unis. L'histoire des années 80 comprend le début de l'épidémie de VIH/SIDA, le développement des drogues opioïdes de synthèse, l'introduction du crack, la panique satanique et le sentiment anticommuniste qui a alimenté la guerre froide. C'était une décennie où la peur d'une guerre nucléaire était un sujet de discussion quotidien et où les tubes pop et tintants avaient des titres comme C’est la fin du monde tel que nous le connaissons (et je me sens bien).
Le public avait besoin d’échapper à la réalité des années 80 et, inspiré à la fois par la popularité croissante de Donjons & Dragons et le succès inégalé de Guerres des étoiles, les cinéastes ont ouvert de nouveaux portails enchanteurs vers des mondes irréels. La fantasy et la science-fiction connaissent une véritable renaissance cinématographique. Voici 15 des meilleurs films fantastiques des années 80.
quinze. Krull (1983)
(Photos de Colombie)
Krull est un bretteur fantastique de science-fiction si évidemment inspiré par le succès de Guerres des étoiles que plus d'une scène est un hommage plan pour plan à l'un ou l'autre Un nouvel espoir ou L'empire contre-attaque (le seul Guerres des étoiles films sortis à l'époque). Écrit par Stanford Sherman et réalisé par Peter Yates, l'histoire suit le prince Colwyn et une communauté de guerriers, comme on pouvait s'y attendre, à la Tolkien, dans une quête pour sauver l'épouse de Colwyn, la princesse Lyssa, d'une forteresse d'envahisseurs extraterrestres qui sont esthétiquement à parts égales des Stormtroopers et des Cylons (du original Battlestar Galactica série), et Maximilian, le robot meurtrier flottant de Le trou noir .
Le charme de Krull n'est pas son originalité, mais plutôt la façon dont son récit d'aventure roule et cogne comme un flipper prend vie. Parmi ses acteurs, comme on pouvait s'y attendre, entièrement blancs et majoritairement britanniques figurent Liam Neeson (16 ans avant de jouer Qui-Gon Jinn), Robbie Coltrane (18 ans avant de jouer Rubeus Hagrid) et Francesca Annis de l'adaptation de David Lynch de Dune en tant que femme-araignée géante et voleuse de scène.
Une coproduction du Royaume-Uni et des États-Unis, Krull a été une bombe sans équivoque au box-office, mais a atteint le statut de film culte presque immédiatement après sa sortie, ce qui lui suffit pour mériter sa place parmi les meilleurs films fantastiques des années 80.
14. Le chaudron noir (1985)
(Walt Disney Images)
Le chaudron noir C'est peut-être un gâchis légendaire, mais il occupe une place dans l'histoire de l'animation. Premier film sorti par Walt Disney Studios à recevoir une classification PG, il présente également les premières images générées par ordinateur dans un film d'animation Disney. Malgré tout, le documentaire Le réveil de la Belle au bois dormant révèle que Le chaudron noir a coûté 44 millions de dollars à réaliser et a rapporté moins de la moitié de ce montant au box-office.
Une adaptation libre de la pentalogie fantastique Les Chroniques de Prydain de Lloyd Alexander, lui-même basé sur le folklore gallois, l'intrigue suit un garçon nommé Taran dans une quête loin de chez lui pour détrôner un empereur qui veut utiliser le chaudron pour conquérir le monde. D'autres personnages incluent un cochon psychique nommé Hen Wen et une armée de morts appelée Cauldron Born.
Hélas, c'est problèmes de production bien documentés sont évidents à l'écran, du récit décousu aux séquences d'animation parfois bâclées. Disney n'avait pas connu un tel niveau d'échec critique et commercial depuis La Belle au bois dormant en 1959, et je ne le reverrai plus avant Planète au trésor en 2002 et, plus récemment, Monde étrange en 2022. Pourtant, rien ne peut diminuer le facteur nostalgie de Le Chaudron Noir.
13. saule (1988)
(MGM / UA Distribution Co.)
George Lucas a conçu un high fantasy sur les aventures d'un aspirant magicien dès 1972, mais ce n'est qu'en 1988, alors que la tendance du fantasy familial était sur une courbe descendante, qu'il s'est finalement réalisé. Écrit par Bob Dolman, réalisé par Ron Howard et produit par Lucas, saule raconte une histoire avec de fortes vibrations folkloriques sur un sorcier en formation qui s'associe à deux brownies (des esprits de la maison, pas des éclaireuses) et une guerrière errante pour sauver un bébé d'une méchante reine.
Le rôle de Warwick Davis en tant que personnage principal était sa quatrième performance cinématographique, mais c'était la première fois qu'il apparaissait à l'écran sans couverture complète du corps et du visage (comme dans Le retour du Jedi et deux films Ewoks faits pour la télévision) ou du maquillage prothétique (comme dans Labyrinthe ). saule met en valeur les charmes physiques de Val Kilmer presque autant que les talents d’acteur de Davis. Il met également en vedette Joanne Whalley, qui a rencontré Kilmer sur le tournage et l'a épousé peu de temps après la production, ainsi que Jean Marsh, qui a donné une performance similaire à celle de Mombi dans Retour à Oz trois ans plus tôt.
Filmé dans la magnifique carrière de Dinorwic au Pays de Galles et aux studios Elstree dans le Hertfordshire avec des photographies supplémentaires en Nouvelle-Zélande, le décor de saule est organiquement magique. Les effets visuels d'ILM ont été révolutionnaire à son époque pour l'introduction de la technologie de morphing numérique. Et même si le récit n’est peut-être pas aussi inventif que d’autres fantasmes des années 80, l’alchimie entre Davis et Kilmer le rend vraiment mémorable.
12. Légende (1985)
(Images universelles)
L'histoire de Légende pourrait tenir dans les pages d'un livre d'images : un être pur doit empêcher le Seigneur des Ténèbres d'envelopper le monde dans une nuit sans fin. Mais comme les meilleurs livres d’images, la conception visuelle laisse ses idées d’une simplicité trompeuse ouvertes à l’interprétation. Réalisé par Ridley Scott, Légende est une expérience cinématographique incomparable et avant-gardiste. Sa scénographie luxuriante, ses effets de maquillage prothétiques impeccables et son éclairage et sa cinématographie méticuleux créent une atmosphère onirique dans chaque scène.
Légende n'a connu aucun succès critique ni commercial lors de sa sortie, mais il a reçu des nominations pour sa conception de costumes, sa conception de maquillage et ses effets visuels, et a remporté un prix pour sa cinématographie. La critique positive se concentre généralement sur les performances de Tom Cruise dans le rôle de Jack O' the Green, un homme vert (et être pur susmentionné), et de Tim Curry dans le rôle du Seigneur des Ténèbres, dont la conception des personnages ressemble à l'ancêtre baroque du Hellboy de Guillermo del Toro, et dont la performance est aussi emblématique que le Dr Frank-N-Furter dans Le spectacle d'images Rocky Horror.
Le montage du réalisateur sorti en 2002 restaure la version originale de 113 minutes que Scott avait initialement prévue, ce qui a plus de sens narratif que la version théâtrale originale de 90 minutes. Les deux versions ont le pouvoir rare et précieux d’emmener le spectateur dans un endroit encore plus éloigné de la réalité actuelle que le milieu des années 80. Légende est légendaire car il rend son décor fantastique si tactile.
onze. Ladyhawke (1985)
(Atelier du 20e siècle)
Richard Donner a réalisé deux films sortis en 1985 : le premier était la comédie d'aventure Les Goonies ; le second, sorti seulement deux mois plus tard, était l'élégant roman fantastique Ladyhawke . Situé dans la France médiévale, un voleur nommé Phillipe la Souris (un pré- Ferris Bueller Matthew Broderick) rencontre accidentellement l'ancien capitaine de la garde d'Aquila, nommé Etienne (Rutger Hauer), et son amante Isabeau d'Anjou (Michelle Pfeiffer). Tous deux sont pourchassés par un évêque défroqué (John Wood) qui leur a jeté un sort qui transforme Etienne en loup toutes les nuits et Isabeau en faucon pendant la journée. Phillipe la Souris est leur seul espoir de briser le charme. L’intrigue folklorique est véritablement enchanteresse, même si la durée semble parfois supérieure à deux heures. Ladyhawke est d'une beauté unique dans la manière dont sa conception d'éclairage soutient directement le récit (la lumière diffuse est similaire quand Etienne se transforme et quand Isabeau se transforme).
Alors que Les Goonies a depuis été sélectionné pour être conservé au National Film Registry des États-Unis par la Bibliothèque du Congrès pour son importance culturelle, Ladyhawke reste le film le moins connu. Mais ses performances captivantes et ses photographies luxuriantes en font un classique absolu du genre.
dix. La dernière licorne (1982)
(Photos de Jensen Farley)
Basé sur un roman de Peter S. Beagle, ce film d'animation raconte l'histoire d'une licorne qui apprend, par l'intermédiaire d'un papillon qui parle par énigmes, qu'elle est bien la dernière de son espèce, et se lance dans une quête pour découvrir ce qui se passe. est arrivé à ses proches. Beagle a écrit le scénario de cette adaptation, ce qui l'élève aux échelons supérieurs des films fantastiques pour tous les âges basés sur des livres.
La douce crainte qui informe La dernière licorne est rare dans les films pour enfants du 21e siècle. Soutenu par les doublages de Mia Farrow, Alan Arkin, Jeff Bridges, Angela Lansbury et Christopher Lee, et mis sur les sons sans ambiguïté des années 80 du groupe de folk rock America (avec le London Symphony Orchestra), ce film est un joyau unique. à son époque.
voie des lucioles.
La dernière licorne a été réalisé et produit par Arthur Rankin Jr. et Jules Bass, mais semble plus propre et plus fluide que d'autres productions Rankin/Bass comme C'était la veille de Noël et Le Hobbit parce que l'animation a été réalisée chez Topcraft à Tokyo. Peu de temps après cette production, Topcraft est embauché par Hayao Miyazaki pour animer Nausicaä de la Vallée du Vent , et nombre de ses animateurs sont devenus membres fondateurs du Studio Ghibli.
9. Bandits du temps (1981)
(Atelier du 20e siècle)
Ce fantastique co-écrit, réalisé et produit par Terry Gilliam (avec l'aide de l'ex-Beatle George Harrison, dont HandMade Films l'a financé) fait partie de la trilogie non officielle Dreamer de Gilliam, qui comprend ses deux prochains films, Brésil et Les aventures du baron de Munchausen . Bandits du temps est une histoire hyper-imaginative et parfois déséquilibrée sur un garçon qui rejoint accidentellement un groupe de nains voyageant dans le temps alors qu'ils sautent d'époque en époque à la recherche d'un trésor à voler. Le casting de petits gens, dont Kenny Baker, récemment devenu célèbre pour son interprétation de R2-D2 dans Guerres des étoiles - est le seul point significatif de diversité dans le casting. Aussi merveilleux soient-ils dans leurs rôles, le casting est presque exclusivement blanc : Craig Warnock est rejoint par Sean Connery, John Cleese, Shelley Duvall, Ian Holm et Michael Palin. Le plus mémorable parmi les acteurs est peut-être Evil Genius, joué par David Warner, qui a ensuite joué le programme informatique qui apparaissait comme une tête géante dans le film original. TRON et le serviteur de Caledon Hockley, Spicer Lovejoy, dans Titanesque . La conception de la production est dense en textures et le sens vertigineux de l’aventure est contagieux. Mais où Bandits du temps Ce qui réussit vraiment, c’est la façon dont il focalise le point de vue d’un enfant.
8. Le secret du NIMH (1982)
(MGM/UA Entertainment Co.)
Le premier long métrage réalisé par Don Bluth, Le secret du NIMH est une adaptation animée du roman Mme Frisby et les rats du NIMH par Robert C. O'Brien. Bluth a ensuite réalisé des films à succès commercial comme Une queue américaine , La terre avant le temps , et Tous les chiens vont au paradis . Le secret du NIMH a plus en commun avec les films Bluth ultérieurs comme Anastasie et Titan A.E. car il possède une intelligence émotionnelle qui manque aux autres films d’animation de la décennie. Alors que d’autres films pour enfants de l’époque se préoccupaient de vendre des jouets – et dans certains cas étaient basés sur des jouets et produits dans le but de vendre même plus jouets- Le secret du NIMH allie son éblouissement visuel à une maturité surprenante.
Une souris des champs veuve nommée Mme Brisby (exprimée par Elizabeth Hartman) envisage de déplacer sa famille loin de leur maison dans une ferme avant l'arrivée des charrues, mais avant qu'elle puisse le faire, son fils Timothy (exprimé par Ina Fried, qui a été crédité comme Ian Fried avant de devenir transgenre) tombe dangereusement malade. Mme Brisby cherche le soutien de rats qui ont été soumis à des tests médicaux sur l'homme qui ont amélioré leur intelligence, et découvre un lien magique entre leurs espèces.
L'animation dessinée à la main et les arrière-plans peints à la main sont rendus encore plus fascinants par une magnifique utilisation de la lumière et de l'ombre et une bande-son captivante. Le secret du NIMH n’est pas seulement l’un des meilleurs films fantastiques des années 80, mais aussi l’un des meilleurs films d’animation de tous les temps.
7. Excalibur (1981)
(Warner Bros. Entertainment Inc.)
De tous les films qui réinventent la légende du roi Arthur et des chevaliers de la Table Ronde, Excalibur est de loin le meilleur. Même après plus de quatre décennies, cette version co-écrite, réalisée et produite par John Boorman reste la plus fantasmagorique, la plus hypnotique et la plus ornée. Une superbe cinématographie capture les performances radieuses d'un casting comprenant Helen Mirren, Gabriel Byrne, Patrick Stewart et Liam Neeson dans les premiers rôles. Nigel Terry dans le rôle d'Arthur et Nicol Williamson dans le rôle de Merlin incarnent leurs personnages d'une manière particulièrement viscérale.
Excalibur présente une interprétation de la légende arthurienne qui met davantage l’accent sur ses personnages méchants que sur ses personnages héroïques, préfigurant des caractérisations telles que Cersei Lannister et Loki de Marvel. Une sexualité effrontée et un sang volumineux font Excalibur le film le moins familial de cette liste particulière. Mais en tant que fantasy produite avec un style visuel scintillant qui n’aurait pu être possible qu’au début des années 80, cette adaptation est un rêve. Ou, pour citer Merlin dans un moment classique : Un rêve pour certains… Un cauchemar pour d'autres.
6. La Compagnie des Loups (1984)
(Warner Bros. Entertainment Inc.)
Plutôt qu'un livre qui prend vie (comme L'histoire sans fin ) ou une histoire racontée par un narrateur littéral (comme La princesse à marier ), le dispositif de cadrage dans La Compagnie des Loups est le paysage onirique d'une fille nommée Rosaleen (Sarah Patterson). Le film a une qualité d'anthologie puisque chaque rêve emmène Rosaleen dans un autre voyage instable à travers une forêt sombre pour retrouver sa grand-mère (Angela Lansbury). Chaque séquence ajoute une autre facette à ce joyau fantastique, incorporant la romance gothique, l'horreur surnaturelle et le surréalisme au conte populaire réinventé. Les effets pratiques – y compris de nombreuses éclaboussures de sang et des loups vivants vêtus de chemises de nuit – en font l’une des entrées les plus visuellement distinctives de toute la filmographie du réalisateur Neil Jordan. Malgré son petit budget, des scènes comme une tête de loup décapitée tombant dans une cuve de lait et se redressant comme un visage d'homme sont d'une efficacité cauchemardesque. La Compagnie des Loups ramène le conte de fées du Petit Chaperon Rouge à ses racines horribles et édifiantes et sature son histoire de symbolisme psychosexuel.
5. La princesse à marier (1987)
(Atelier du 20e siècle)
La princesse à marier est une histoire d'aventure de style swashbuckler et une comédie satirique avec de forts éléments thématiques de romance. Le scénario a été adapté par William Goldman de son propre roman The Princess Bride : le conte classique de S. Morgenstern sur le véritable amour et la grande aventure, The Good Parts Version . Au fond, il s’agit d’une histoire sur le pouvoir de la narration et, en tant que telle, elle est aussi métafictionnelle que L'histoire sans fin ou Labyrinthe . La différence la plus frappante entre cela et d’autres fantasmes des années 80 est une conscience de soi qui frise par moments le postmoderne. La suspension de l’incrédulité habituellement exigée par la fantaisie est présentée ici avec un clin d’œil affectueux. Il faudrait probablement un téraoctet entier de données pour détailler les tropes que cette histoire intègre si sciemment, mais d'une manière ou d'une autre, elle parvient toujours à se sentir rafraîchissante.
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Le casting est impeccable : Peter Falk dans le rôle du grand-père (et narrateur), Fred Savage dans le rôle du petit-fils alité, Robin Wright dans celui de Buttercup, Cary Elwes (d'abord dans celui de Westley, puis dans celui du Dread Pirate Roberts, et aussi dans celui de The Man in Black), Wallace Shawn, le voleur de scènes, dans le rôle d'un Sicilien inconcevable, et André le Géant étant absolument unique en son genre. Même les brèves apparitions de Billy Crystal dans le rôle de Miracle Max et de Carol Kane dans le rôle de son épouse Valerie sont mémorables.
Il ne vous emmènera peut-être pas dans des mondes inconnus de la même manière que d'autres films fantastiques, mais sa conception visuelle chaleureuse, ses dialogues hautement citables et son amour contagieux pour la narration méritent d'être appréciés. La princesse à marier sa place parmi les meilleurs films fantastiques des années 80.
4. Retour à Oz (1985)
(Distribution Buena Vista)
Retour à Oz était un autre dark fantasy controversé publié par Walt Disney Pictures dans les années 80 (voir aussi : Le chaudron noir ). Mettant en vedette Fairuza Balk dans ses débuts à l'écran dans le rôle de Dorothy Gale, aux côtés des acteurs Nicol Williamson, Jean Marsh et Piper Laurie, il a été critiqué comme étant trop sombre pour être visionné en famille. Basé sur Le merveilleux pays d'Oz et Ozma d'Oz par L. Frank Baum, Retour à Oz a été présenté comme une suite non officielle du film tant apprécié de la MGM de 1939. Les nombreuses différences évidentes entre ce film et la comédie musicale Technicolor mettant en vedette Judy Garland aident à expliquer pourquoi les critiques et le public ont eu une réaction si négative. En effet, Retour à Oz est de Le magicien d'Oz quoi Le Chevalier Noir c'est dans les années 1960 Homme chauve-souris séries télévisées.
Dorothy s'échappe d'un asile psychiatrique et retourne au Pays d'Oz pour découvrir qu'il a été réduit en ruines. Elle est traquée par les Wheelers, des êtres humanoïdes dotés de roues en guise de mains et de pieds qui rappellent les Droogs de Une orange mécanique plus que tout d'un film familial. Dorothy rencontre bientôt une sorcière qui change de tête en fonction de ses humeurs, et le Claymation Nome King qui devient plus menaçant à chaque ligne de dialogue. Dorothy a du mal à restaurer Oz avec l'aide d'une poule nommée Billina, d'un homme à manivelle nommé Tik-Tok, d'un homme à tête de citrouille nommé Jack, d'un meuble animé nommé Gump et de la princesse Ozma elle-même. Mais il n'y a ni chant ni danse en cours de route.
Majestueusement bizarre et hautement revoyable, Retour à Oz a gagné moins de la moitié de son budget au box-office, mais a finalement développé un public dévoué pour sa fidélité à ses sources.
3. L'histoire sans fin (1984)
(Warner Bros. Entertainment Inc.)
L'histoire sans fin est le premier long métrage en langue anglaise du cinéaste allemand Wolfgang Petersen, adapté du roman du même nom de Michael Ende. Dans un dispositif de cadrage narratif qui n'est pas sans rappeler La princesse à marier (mais sans la satire), un garçon nommé Bastian trouve un livre magique qui raconte l'histoire d'un jeune guerrier nommé Atreyu qui est chargé d'empêcher une force appelée le Rien de dévorer le monde de Fantasia.
L'histoire sans fin présente un monde fantastique avec des décors folkloriques (les marais de la tristesse, la mer des possibilités), peuplé de personnages comme le dragon porte-bonheur d'inspiration chinoise Falkor et l'impératrice enfantine de Schéhérazade. C'est une histoire sur les pouvoirs magiques des histoires elles-mêmes.
En 1984, L'histoire sans fin a été présenté comme le film le plus cher jamais produit en dehors des États-Unis ou de l'URSS. Le budget des effets n'est peut-être pas immédiatement évident pour le public contemporain, mais les caractérisations, la conception des costumes et la chanson thème de Giorgio Moroder et Limahl le rendent durablement nostalgique. Comme le livre qui raconte l'histoire de Bastian à l'écran, le film dans son ensemble résume le sentiment d'émerveillement enfantin et la joie d'être non seulement engagé, mais hypnotisé par les histoires.
2. Le cristal sombre (1982)
(Images universelles)
Le cristal sombre est plus qu’un autre film de dark fantasy du début des années 80. C’est unique au vrai sens du terme. Il a été le premier long métrage d’action réelle sans aucun humain à l’écran – et il reste l’un des très rares. Réalisé par Jim Henson et Frank Oz d'après une histoire de Henson , sa combinaison de marionnettes, d'animatroniques et d'effets pratiques est toujours inégalée (oui, y compris la marionnette Jabba le Hutt qui apparaîtra un an plus tard). Même les petites conceptions de personnages comme les Gelflings nécessitaient au moins deux, voire quatre, marionnettistes pour obtenir un mouvement crédible. Le résultat est un espace d’histoire à la texture luxuriante et physiquement ancré.
Henson est ambitieux et inventif dans sa construction du monde : un millénaire avant le début de l'histoire, deux nouvelles cultures sont apparues sur la planète Thra après qu'un éclat ait été brisé du cristal de vérité : les Skeksis, bureaucratiques et inébranlables, et les urRu, doux et collectivistes. Le peuple indigène de Thra est les Gelflings, qui, sans le savoir, sont essentiels à la restauration de leur monde natal. Deux Gelflings nommés Jen et Kira tentent de restaurer l'harmonie à Thra en ramenant l'éclat au cristal de vérité.
Commercialisé à l'origine comme un film familial par les créateurs de confiance de Rue de Sesame et Le spectacle des marionnettes , Le cristal sombre était dramatique, rêveur, étrange et parfois dérangeant d'une manière qui a transpercé certains publics mais en a dérouté d'autres. La réponse critique a été polarisée, mais son style visuel et son noyau émotionnel en font un film fantastique incontournable.
1. Labyrinthe (1986)
(Photos Tri-Star)
Aucun autre film fantastique des années 80 ne résume autant la joie de raconter des histoires ou l’espoir sans cynisme d’un monde meilleur. Labyrinthe . L'histoire a commencé par une collaboration entre Jim Henson et Brian Froud, l'illustrateur anglais qui a créé des concepts artistiques et des dessins de personnages pour Le cristal sombre . En fin de compte, il a été réalisé par Henson et produit par George Lucas à partir d'un scénario du fondateur de Monty Python, Terry Jones.
L'histoire commence de la même manière que L'histoire sans fin et La princesse à marier : Une adolescente nommée Sarah (Jennifer Connelly) récite des passages d'un livre intitulé Le labyrinthe , et alors qu'elle essaie de se souvenir de la dernière ligne, elle se souvient qu'elle est en retard pour garder son frère Toby. Frustrée de devoir surveiller le bébé, Sarah souhaite qu'il soit emmené par les gobelins du livre. Le bébé disparaît et le film devient officiellement un fantasme lorsque le roi gobelin Jareth (David Bowie) apparaît. Jareth donne à Sarah 13 heures pour parcourir un labyrinthe et retrouver son petit frère avant que Jareth ne le transforme en gobelin. S’ensuivent un donjon, une tourbière, un bal masqué, des marionnettes fabriquées dans le Creature Shop de Jim Henson et des bops pilotés par des synthés de David Bowie.
Sorti le même été que les superproductions des années 80 Top Gun et La journée de congé de Ferris Bueller, Labyrinthe a gagné moins que son budget et a reçu des critiques mitigées de la part des critiques qui l'ont trouvé laid dans certaines parties et violent dans d'autres. Malgré les nombreuses influences ouvertement reconnues par Henson— Le magicien d'Oz , Alice au pays des merveilles , et l'art de Maurice Sendak— Labyrinthe est depuis devenu le fantasme exemplaire de son époque.
(Image en vedette : Warner Bros. / Jensen Fairley Pictures / Tri-Star /MovieMuses)
